abroparaguas.com

Ninotchka escribió: 02 Ene 2020, 16:54 Feliz año, chicas :party2:

Si os apetece, yo podría aportar algo de material que tengo recopilado sobre Sharon Tate y Catherine Deneuve, sobre todo de esta última.

Romana escribió: 15 Nov 2019, 09:45 La escritora Cristina Morató ha sacado un libro analizando las vidas de divas de Hollywood como Elizabeth Taylor, Ava Gardner, Grace Kelly o Rita Hayworth. He leído dos de sus anteriores libros, Divas rebeldes y Reinas malditas, y si bien el primero no me acabó de gustar (no entendía lo de "rebeldes" en muchos casos, especialmente en Wallis Simpson, que no sé qué tenía de admirable), el segundo sí me pareció bastante interesante. Lo dejo por si a alguien le interesa.

Las actrices de la época dorada del cine toman el relevo a las Divas Rebeldes y Reinas Malditas de Cristina Morató. Las historias de estas cuatro grandes estrellas de cine nos trasladan a la época dorada de Hollywood. Tenían el mundo a sus pies, contaban con una legión de admiradores y protagonizaron sonados romances con los galanes más atractivos. Verdaderas diosas a los ojos del público, fueron las más deseadas y fotografiadas del mundo. La temperamental e indomable Ava Gardner, la deslumbrante sex symbol Rita Hayworth, la elegante y sensual Grace Kelly o la gran diva de los ojos violeta Elizabeth Taylor hicieron soñar a millones de espectadores. Más allá del lujo y el glamour, fueron mujeres de carne y hueso, vulnerables, tímidas e inseguras que solo deseaban ser amadas. Pero el amor les fue esquivo y sus vidas estuvieron marcadas por la soledad, los divorcios, las adicciones, los malos tratos y los desengaños. Todas pagaron un elevado precio por llegar a lo más alto. Cristina Morató nos descubre el lado más humano de estas inolvidables estrellas del siglo XX, protagonistas de una vida mucho más intensa y dramática que la de cualquiera de los personajes que interpretaron en la gran pantalla. «En Hollywood, a las actrices nos trataban como si no tuviéramos alma».Ava Gardner

Voy por la vida de Rita, que me han regalado el libro estas Navidades. Me gusta por ratos, no sé si es el mejor estilo del mundo porque me parece que la autora hace demasiados juicios, pero es que en sí las biografías me gustan mucho así que estoy enganchada.

En España existen algunos actores y actrices de nuestro cine más clásico que tienen la inmensa fortuna de ser recordados una semana sí y otra también gracias a programas de televisión donde son idolatrados, como puede ocurrir con Paco Martinez Soria, Lina Morgan, Concha Velasco o Carmen Sevilla en Cine de Barrio; o bien reciben el reconocimiento puntual y efímero (muchas veces tardío e incluso a título póstumo) de instituciones públicas como la Academia de cine, que ha reconocido con su Medalla de Oro a Rosa María Sardà, Sara Montiel, Fernando Fernán Gómez o Geraldine Chaplin; e incluso se les llega a recordar después de una ardua labor de estudiosos y simpatizantes que luchan contra viento y marea para volver a dar nombre a quienes en época de vacas flacas siguieron trabajando en producciones de exiguo presupuesto: por ejemplo el mes pasado llegó a nuestras famélicas (de buen cine) carteleras el documental Contra el tiempo, de José Manuel Serrano Cueto, donde se homenajeaba a secundarios españoles de cine de género de la década de los sesenta y los setenta.

Pero al lado de todos estos actores que, en mayor o menor medida, han disfrutado en algún momento de evocación y recuerdo, existe otro grupo relegado al más injusto de los olvidos. Este es el caso de Félix de Pomés, un nombre que no sonará a casi nadie pero que posee una de las trayectorias personales y artísticas más increíbles en toda la historia de nuestro cine. Y para muestra un botón: a lo largo de su vida fue jugador de fútbol profesional en el Futbol Club Barcelona y en el Real Club Deportivo Español; olímpico por España en la disciplina de esgrima en las Olimpiadas de París en 1920 y Amsterdam en 1928; crítico de cine en periódicos y revistas (El día Gráfico y Fígaro); abogado; dandy con mucho gusto por el lujo; experto en medicina y farmacia, pintor, retratista…y sobretodo actor y director (tanto de películas como de doblaje). Pocos artistas pueden incluir en su currículum el haber trabajado bajo las órdenes de auténticos monstruos del cine mundial como Robert Wiene (a quien debemos recordar por su maravilloso clásico mudo de 1919 El Gabinete del Doctor Caligari); Edgar Neville (uno de los más grandes realizadores de todos los tiempos, también igual o menos reconocido que quien nos ocupa); King Vidor (quien lo dirigió en Salomón y la Reina de Saba); Nicholas Ray (quien hizo lo propio en la fastuosa Rey de Reyes) o Stanley Kramer (en Orgullo y Pasión). Muy pocos pueden atesorar semejante bagaje, y eso que tan sólo hemos citado lo que es la punta del iceberg, porque a tan ilustre listado también podríamos añadir los nombres de otros cineastas con pedigrí como Fernando Fernán Gómez; John Farrow; Francisco Rovira Beleta; Josep María Forn; Rafael Gil; Mark Robson o José Antonio Nieves Conde.

Una vida y obra singulares que como podrán leer en las próximas lineas no tienen desperdicio alguno: Comencemos con algunos apuntes biográficos dignos de mención.

Félix de Pomés i Sler nació el 5 de febrero de 1893 en el seno de una familia aristocràtica de Barcelona (fue sobrino del Conde de Santa María de Pomés). Realizó sus estudios de bachillerado internado en los Escolapios de Sarrià con el fin de que estuviera aislado del ambiente bohemio que en aquella época era considerado pernicioso. Allí empezó a destacar en algunas disciplinas deportivas elitistas como eran la hípica o el tenis y en otras que no lo eran tanto como el ciclismo o el fútbol. Al acabar sus estudios nos encontramos con un Pomés atractivo, elegante, alegre, caballeroso y sobretodo con dinero; todo un dandy a quien le gustaba beberse la vida a borbotones. Una vez liberado del ambiente opresivo del internado, se inició en las tertulias de café rodeándose de artistas y comediantes, aunque en ningún momento abandonó la práctica deportiva. Así pudo fichar en 1914 por el Español, habiendo jugado anteriormente en un corto espacio de tiempo en el otro club grande de la capital, el Barcelona. En realidad fue uno de los jugadores que en más ocasiones vistió ambas camisetas, aunque él siempre se declaró españolista de corazón. En su periplo en las filas blanquiazules se le recuerda sobretodo por haber formado parte del mítico equipo que en 1915 quedó subcampeón de España al perder en la final contra el Athletic de Bilbao por 5 a 0. El primer gol del partido fue materializado por el mítico “Pichichi” previa acción punible dentro del area de nuestro actor homenajeado. Una vez abandonada la práctica balompédica, sus gustos deportivos derivaron hacia el arte de la esgrima, conviertiéndose en un espadachín remarcable que ganó un campeonato de Catalunya y un diploma en los Juegos Olímpicos de París y Amsterdam en los que participó ya cumplida la treintena. Esta destreza con el florete le llevó también a batirse en duelo en contadas ocasiones, práctica muy de moda en la época entre los de su clase social, e incluso llegó a ejercer de asesor de algunos contendientes antes de enfrentarse a vida o muerte.

Pasados los años, Pomés empezó a moverse activamente por los estudios de cine que iban surgiendo en Barcelona. Esporadicamente se trasladó a Alemania donde entró en contacto con el pujante movimiento expresionista alemán, destacando su participación en la cinta dirigida por Robert Wiene Die Grobe abenteuerin (El amante aventurero, 1928). Otros títulos de esta época germana fueron Der Henker (El verdugo, 1928); Der Geheime Kurier (El correo secreto, 1928) y Hochverrat (Alta traición, 1929). Recién entrada la década de los años treinta. Pomés forma parte de la segunda expedición de actores que desembarcaban en Hollywood para interpretar las denominadas “spanish versions”, copias en español de las producciones cinematográficas de la meca del cine. De la mando de un tal Mr. Stone, representante de la todopoderosa Fox que llegó a España en busca de nuevos valores que pudieran interpretar en español una serie de films norteamericanos, firmó un contrato de seis meses durante los que participó en siete películas, muchas de ellas dirigidas por Adelqui Migliar y acompañado de otra actriz española de efímera carrera artística, la bilbaina Carmen Larrabeiti. De esta época vale la pena destacar Doña mentiras (1930), versión del film The lady lies, que llevaron a la pantalla en 1929 Walter Huston y Claudette Colbert sobre los problemas que tiene un viudo con sus hijos cuando conoce a una joven dependienta; Toda una vida (1930), adaptación de Sarah and son, interpretada por Fredric March; Sombras del circo (1931), “spanish versión” de la película protagonizada por Jean Arthur Halfway to heaven (1929) y Cuerpo y alma (1931), traslación del film de mismo título (Body and Soul) que había significado uno de los primeres papeles remarcables de Humprey Bogart en el cine. En 1932 da por finalizado su periplo transatlántico y vuelve a España, y más concretamente a Barcelona, donde empieza a trabajar para Orphea Studios, los primeros estudios de cine sonoro que se fundaron en nuestro país. Allí, compaginará su labor como actor con una nueva faceta en la que se convertirá en pionero, la de director de doblaje en los estudios T.R.E.C.E, pasando a la historia de nuestro cine como el encargado de dirigir la primera película que se dobló en España, la alemana Rasputín. Entre sus trabajos más destacados como intérprete para este estudio señalaremos Pax (1932), de Francisco Elías, cineasta que tres años antes había filmado la primera película sonora en España, titulada El misterio de la Puerta del Sol. Del rodaje de este film de sonoridad y diálogos neutralizados por un fuerte ruído de fondo y en el que se incluían imágenes documentales de la proclamación de la República Española ha trascendido que las jornadas de trabajo llegaron a alcanzar las treinta y seis horas sin pausa, por lo que podemos afirmar que ser actor en esa época no era precisamente ninguna bicoca. También vale la pena citar Alala (1934), de Adolf Trotz, director alemán que probó suerte en nuestro cine antes del inicio de la Guerra Civil, y que precisamente había dirigido en Alemania la ya citada Rasputín. El estallido del conflicto bélico le pilla en mitad del rodaje de Nuevos ideales, de Salvador de Alberich, donde daba vida a un rico industrial cuya hija es pretendida por un ingeniero de origen humilde. Un año después, daría vida a un obrero en paro (lo que no deja de ser toda una curiosidad sabida cuenta de su noble origen) en Aurora de esperanza (1937), una película impulsada por la CNT (en los títulos de crédito aparecían en primer lugar los camaradas técnicos antes que los actores), que se ha llegado a considerar precursora del neorealismo italiano de posguerra. A diferencia de otros actores y actrices, que o bien murieron en la contienda o se vieron obligados al exilio, y en parte gracias a pertenecer a una familia de alto linaje, no tiene problema en pasar a protagonizar un reguero de películas de espíritu franquista donde la épica nacional cobraba especial trascendencia. El deber (1939); La patria chica (1943) o Santander, la ciudad en llamas (1944) son claros ejemplos de este tipo de cine.

Y entonces llegó la obra magna de su extensa filmografía, la sublime La Torre de los siete jorobados (1944), de Edgar Neville, una atípica combinación de intriga policial, cine fantástico y costumbrismo castizo. Se trata de una adaptación de la novela homónima de Emilio Carrere en la que Pomés bordó el personaje de Don Robinson de Mantua, un afamado arqueólogo fallecido, que se le aparece en forma de espectro al protagonista para pedirle que proteja a su sobrina (a quien da vida Isabel de Pomés, hija del actor). Este fantasma de aspecto terrorífico aunque de corazón bondadoso, ha sido considerado por los estudiosos de nuestro cine como prototipo de la imaginería española del género fantástico, creándose en estos últimos años una corriente de admiración y respeto que le ha llevado incluso a recibir el aplauso y el seguimiento del público japonés, donde se ha convertido en un auténtico ídolo. Tras esta auténtica delicia de visión recomendada (hace tan sólo un par de años Versus sacó una espectacular edición en DVD del film con numerosos extras y un libreto explicativo), Félix de Pomés engarzó una serie de trabajos donde se mezclaban de forma inaudita auténticas obras maestras junto a otros trabajos menores adjuntos al régimen dominante donde primaba la temática religiosa o confesional. Del primer grupo vale la pena recordar Vida en sombras (1948), de Lorenzo Llobet Gracia (un film de culto que pudó verse restaurado en la pasada edición del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Sitges 2012); o la más postrera La vida alrdedor (1958), de Fernando Fernán Gómez, donde interpretaba al padre de la protagonista, una jovencísima Analia Gadé.

En cuanto al segundo, participó en producciones tan sonrojantes como Murió hace quince años (1954), una de las películas más apologéticas del franquismo protagonizada por Paco Rabal, Marta (1955), película que tenía que haberse llamado Los diez mandamientos (toda una declaración de intenciones), o la más deportiva Once pares de botas (1954), de Francisco Rovira Beleta, donde rememoró sus tiempos de futbolista y compartió cartel con ases del balón como Antonio Ramallets, Alfredo Di Stéfano, Campanal, Zarra o Gaínza. No nos resistimos a dejar de citar un título de esta época que merecería un artículo aparte por el reguero de anécdotas que atesora. Nos referimos a la coproducción hispano-italiana Tirma (1954), uno de los rodajes más importantes de los realizados en las Islas Canarias, que le unió ni más ni menos con actores de la talla de Marcello Mastroianni.

Pomés también conoció el éxito en una última etapa en la que apareció en unas cuantas superproducciones hollywoodienses localizadas en distintos paisajes españoles: Orgullo y pasión (1957), con Cary Grant y Frank Sinatra, interpretando a un obispo; Salomón y la reina de Saba (1959), de King Vidor, en la piel de un general egipcio; Rey de Reyes (1961), producción de Samuel Bronston donde daba vida a José de Arimatea; y Mando perdido (1966), donde daba la réplica a estrellones como Anthony Quinn, Alain Delon y George Segal. Su último trabajo en cine fue a los setenta y cuatro años en Una historia de amor, de Jorge Grau.

Desde luego, no me negarán que Félix de Pomés no merecería un estudio mucho más profundo de su vida y obra, un periplo tan diferente como especial. Sirvan estas lineas para insuflar un poco de vida a quien siempre será recordado por haber dado vida a Don Robinson de Mantua, el aparecido más famoso del cine español.

Romana escribió: 04 Ene 2020, 14:35
Annabel Lee ¡Ay, me encanta Cary, es mi actor favorito ! Debería abrirle tema, aunque ignoro si se pasaría alguien xD.

Patricia Neal, la actriz que volvió del coma para triunfar
Ganó un Oscar en 1963 y optó a otro tras la enfermedad

En una ocasión, una actriz de fama y con un Oscar sufrió tres aneurismas cerebrales mientras estaba embarazada. Quedó en coma tres semanas. Su marido y sus hijos la daban por perdida. Sorprendiendo a los médicos, se recuperó. Tuvo a su hija, a la que llamó Lucy. Aprendió a hablar y a caminar de nuevo. Volvió a actuar. Luchó contra los efectos de aquellos ataques, que habían mermado su memoria. Con tanta fuerza que fue nominada a nuevos y prestigiosos premios.

Podría ser uno de los papeles dramáticos que interpretó la actriz Patricia Neal a lo largo de su vida, pero no. Es su historia real, el papel de su vida, el relato de sana testarudez y superación de una mujer fallecida el 8 de agosto en Massachusetts a los 84 años. "Muy a menudo, se ha comparado mi vida con una tragedia griega", escribió en sus memorias, publicadas en 1988. "La actriz que hay en mí no puede rechazar esa comparación".

Nacida en Kentucky en 1926, formada en la Universidad Northwestern, Neal fue una actriz de su época, de la era dorada de Hollywood: imponente presencia, exagerada gesticulación, voz profunda. Ganó un premio Tony muy joven, a los 20, con su debut en Broadway en la obra Otra parte del bosque. Obtuvo papeles en películas de culto: El manantial, de King Vidor; Ultimátum a la tierra, de Robert Wise; Un rostro en la multitud, de Elia Kazan, y Desayuno con diamantes, de Blake Edwards. En 1963 apoyó a Paul Newman en el western Hud (El más salvaje entre mil), dramática historia sobre la tensión entre el patriarca de una familia y su hijo, un cowboy amargado, rebelde y cínico. Por su papel de Alma, sufrida empleada del hogar maltratada por la vida y por el personaje de Newman, ganó un Oscar.

Dos años después sufrió los aneurismas. Estaba embarazada y casada con el escritor Roald Dahl, autor de cuentos infantiles como Charlie y la fábrica de chocolate o James y el melocotón gigante. Su hijo Theo murió atropellado por un taxi y su hija Olivia a los siete años de encefalitis. En total, tuvo cinco hijos. Lucy nació sana y sin problemas a pesar de que su madre la llevaba en el vientre cuando sufrió los ataques.

Después del coma de tres semanas, tuvo que aprender a hablar de nuevo. Acostumbrada a las adversidades, superó el bache. Hasta tal punto que en 1968 su interpretación en el largometraje El tema era rosas, de Ulu Grosbard, le brindó una nueva nominación al Oscar por su papel de una desquiciada madre y ama de casa, maltratada psicológicamente por un marido adúltero. Perdió ante Katharine Hepburn y Barbra Streisand, que recibieron el premio ex aequo.

Se divorció de Dahl en 1983, después de una infidelidad de este. En sus años de soltera había tenido un sonado romance, de los que todavía alimentan el mito de Hollywood, con Gary Cooper. Ella tenía 23 años. Él, 48. Fue una relación, como muchos otros aspectos de la vida de Neal, que acabó mal pero que encajaba a la perfección con una vida a veces más intrigante que los papeles que interpretaba para la gran pantalla.

I Love escribió: 08 Ene 2020, 19:24 Qué horror lo de Patricia

En cierta ocasión Dorothy Dandridge fue contratada como cantante en un hotel de cinco estrellas de Las Vegas. Para amenizar la espera hasta la actuación bajó un rato a la piscina. El encargado del hotel se acercó rápidamente para advertirle de que las personas de color no podían bañarse en la piscina. La actriz mojó entonces la punta de su pie en el agua y salpicó un poco al empleado a modo de broma. Fue suficiente, el encargado dio la orden de cerrar la piscina para vaciarla y desinfectarla. Dorothy Dandridge fue la primera mujer negra en ser nominada al Oscar a la mejor actriz, la primera afroamericana que apareció en la portada de la revista Life. Cantaba como los ángeles y tenía un gran talento de actriz. De haber nacido en una época con menos prejuicios se habría convertido en una gran estrella pero murió sola en su cuarto de baño y con dos dólares en su cuenta bancaria.


Dorothy Dandridge era hija de una humorista de cuarta categoría que siempre quiso que sus dos hijas tuvieran una carrera artística. Empezaron cantando en la iglesia y pronto formaron un trio junto a una amiga llamado The Dandridge Sisters. Actuaron por todo el país, triunfaron en los programas musicales de la radio y se convirtieron en una de las atracciones fijas del famoso Cotton Club de Nueva York. Allí Dorothy se enamoró y decidió casarse con Harold, uno de los hermanos Nicholas, famosos bailares de claqué. Pero Harold Nicholas resultó ser un mujeriego que la hizo muy infeliz. Además tuvieron una hija que nació con un problema de retraso mental.


Su marido acabó abandonarla y para pagar a las enfermeras que cuidaban día y noche de la niña decidió trabajar como actriz ya que con las Dandridge Sisters había tenido alguna experiencia en la pantalla, como un número musical que rodaron junto a los hermanos Marx en la película “Un día en las carreras”. El problema era que en aquella época, finales de los años 40, los papeles para mujeres jóvenes afroamericanas eran prácticamente inexistentes. Dorothy Dandridge consiguió trabajo en algunas películas de serie B pero no le quedó más remedio que volver a los clubs y seguir cantando.


Dorothy consiguió bastante éxito con su carrera musical. Fue por ejemplo la primera mujer afroamericana en cantar en la sala Empire del Waldorf Astoria en Nueva York, uno de los locales más elegantes del país. El público la aplaudía a rabiar pero cuando terminaba la actuación era obligada a salir por la puerta de atrás ya que la entrada por la puerta principal del hotel estaba vedada a las personas de color. En 1954 llegó su gran oportunidad en el cine. El director Otto Preminger anunció que iba a rodar una adaptación cinematográfica de la ópera “Carmen” de Bizet interpretada solo por actores afroamericanos. Lena Horne, Ertha Kitt y todas las actrices negras del momento se disputaban el papel de Carmen pero Dorothy consiguió también que la admitieran en el casting y en la prueba supo ganarse al director.


Dorothy Dandridge no solo bordó su papel de la descarada y sensual Carmen Jones sino que consiguió ser la primera mujer de color de la historia en ser nominada al Oscar a la mejor actriz. Hasta entonces solo Hattie McDaniel había ganado la estatuilla por su papel de Mammy en “Lo que el viento se llevó” pero como secundaria, no como protagonista. Finalmente el Oscar de ese año se lo llevo Grace Kelly por “La angustia de vivir” pero Dorothy había logrado un hito al ser nominada. La actriz pensaba que su carrera estaba lanzada pero se equivocaba. En los años siguientes nadie le ofreció buenos papeles.


Pudo ser Cleopatra en la superproducción que preparaba Rouben Mamoulian pero cuando éste fue reemplazado por Mankiewicz en la dirección la sustituyeron por Elizabeth Taylor. En 1957 tuvo un papel secundario en “Una isla al sol” de Robert Rossen y en 1959 protagonizó otro musical con Otto Preminger, “Porggy y Bess” que le valió una nominación al Globo de Oro pero, desgraciadamente, la película resultó un fracaso en taquilla. La carrera de Dorothy Dandridge no iba nada bien y su vida personal tampoco. Se había enamorado de un tipo con mala fama: Jack Denison, un vividor que se gastó toda su fortuna en poco tiempo. Arruinada, la actriz perdió la custodia de su hija ya que no tenía dinero para pagar a las enfermeras que la cuidaban y la niña fue internada en una institución mental. Dorothy naufragó entonces en la depresión y se enganchó al alcohol y a las pastillas. En poco tiempo se convirtió en una ruina de mujer. Solo su manager permaneció a su lado y a base de mucho luchar consiguió sacarla del pozo e ilusionarle de nuevo en su trabajo.

Una reina en tiempos equivocados
El 8 de septiembre de 1965 debían viajar a Nueva York donde había sido contratada varias semanas como cantante. Antes de coger el avión se pasarían por la consulta de un médico que la trataba de una lesión que esos días Dorothy tenía en el tobillo. Cuando el manager llegó a su apartamento Dorothy no contestaba al timbre. Tras mucho llamar el hombre forzó la puerta y la encontró tirada en el cuarto de baño, muerta. Estaba desnuda y parecía a punto de vestirse, con un fular liado a la cabeza y recién maquillada.

Los médicos que acudieron al levantamiento del cadáver no se ponían de acuerdo sobre las causas de la muerte. Uno de ellos pensaba que una astilla de la fisura que se había hecho en el tobillo podía haberse introducido en el sistema circulatorio y haberle provocado una embolia. El otro solo se fijó en un bote de pastillas vacío que había en su tocador. Una carta hallada en la casa, escrita en los días de su depresión y en la que pedía a sus amigos que la incineraran si la encontraban muerta, fue lo que desniveló la balanza. El juez concluyó. Causa de la muerte: suicidio por sobredosis de pastillas.

Dorothy Dandridge fue una pionera, un modelo a seguir para muchas actrices y cantantes de color. No sería hasta 2001 cuando una mujer negra, Halle Berry, lograría por fin llevarse el Oscar a la mejor actriz protagonista y en su sentido agradecimiento fue a Dorothy a la primera a la que recordó. Curiosamente un par de años antes Halle Berry había interpretado a Dorothy Dandridge en un biopic para la televisión.

Marcella Mariani (Rome, Italy, 8 February 1936 – Monte Terminillo, Italy, 15 February 1955) was an Italian actress and Miss Italy contest winner. Though she appeared in several popular movies and was garnering acclaim as an actress, her career was cut short by her death in a 1955 airliner crash.

Biography
Having previously worked as a cashier at a cinema in Rome, 17-year-old Mariani was crowned Miss Italy of 1953 in the Tyrolean resort town of Cortina d'Ampezzo. After winning the pageant she began her career as a film actress, playing herself in the opening segment of producer/director Alfredo Guarini's portmanteau film We, the Women (1953). Although in demand due to her beauty, she was eager to improve her acting skills, and attended both the Experimental Center of Cinematography and acting school. She began taking on challenging roles and working with artistically adventurous directors.

Her most significant role was in director Luchino Visconti's 1954 film Senso, in which she worked alongside Alida Valli and Farley Granger, playing the small but important part of Clara, a young prostitute.

Her promising career was prematurely ended by her death in a plane crash, which occurred on the slopes of Monte Terminillo, in the province of Rieti, Italy, as she returned from hosting a film festival in Belgium. Traveling from Brussels to Rome, the DC-6 passenger liner crashed due to errors made by the crew in poor weather conditions. Heavy wind and snow prevented searchers from reaching the crash site for over a week. All 29 passengers and crew were believed to have died on impact. Mariani, who had turned 19 a few days earlier, was taken to Rome, where she was buried.

Filmography
Cavalcade of Song (1953)
We, the Women (a/k/a Of Life and Love), directed by Alfredo Guarini (1953)
If You Won a Hundred Million, directed by Carlo Campogalliani and Carlo Moscovini (1953)
The Mysterious Singer, directed by Marino Girolami (1954)
Women and Soldiers, directed by Luigi Malerba and Antonio Marchi (1954)
Senso, directed by Luchino Visconti (1954)
The Girls of San Frediano, directed by Valerio Zurlini (1954)
I'll Never Forget, directed by Giuseppe Guarino (1956)

Ayako Wakao (若尾 文子, Wakao Ayako, November 8, 1933 in Tokyo, Japan) is a Japanese actress.

Biography
Wakao began her career contracted to Daiei Studios in 1951 as part of the fifth "New Face" group. She has gone on to appear in over 100 feature films, plus numerous television movies and series. She was a favorite actress of director Yasuzo Masumura, starring in 25 of his films. In addition to her many collaborations with Masumura, she was a favorite of Kon Ichikawa, having starred or co-starred in seven of the director's works. She appeared in Kenji Mizoguchi's A Geisha (her first lead role) and Street of Shame.[1] She also appeared in Yasujirō Ozu's Floating Weeds.

Wakao married architect Kisho Kurokawa in 1960. They did not have any children. In 2007, both ran unsuccessful campaigns for seats in the upper house of the Japanese Parliament, before Kurokawa died in October of that year.

Selected filmography
Films

1952 Mōjū Tsukai no Shōjo Aiko Kozo Saeki
1953 A Geisha Kenji Mizoguchi Lead
Jūdai no Yūwaku Seiji Hisamatsu Lead
1955 A Girl Isn't Allowed to Love Teinosuke Kinugasa Lead
The Phantom Horse Koji Shima Lead
1956 Street of Shame Kenji Mizoguchi Lead
1957 Suzakumon Princess Kazu Kazuo Mori Lead
1958 The Loyal 47 Ronin Kunio Watanabe
1959 Floating Weeds Yasujirō Ozu
1960 Afraid to Die Yasuzo Masumura Lead
A False Student Yasuzo Masumura Lead
A Woman's Testament Yasuzo Masumura Lead
1961 A Wife Confesses Yasuzo Masumura Lead
1963 An Actor's Revenge Kon Ichikawa
1964 Manji Yasuzo Masumura Lead
1966 Irezumi Yasuzo Masumura Lead
Red Angel Yasuzo Masumura Lead
1970 Zatoichi Meets Yojimbo Kihachi Okamoto
1971 Tora-san's Shattered Romance Yoji Yamada
1975 Kenji Mizoguchi: The Life of a Film Director Herself Kaneto Shindo Documentary film
1987 Princess from the Moon Kon Ichikawa
2005 Spring Snow Isao Yukisada
Television
Year Title Role Network Notes Ref(s)
1972 Shin Heike Monogatari Tokiwa Gozen NHK Taiga drama
1975 Genroku Taiheiki Someko NHK Taiga drama
1988 Takeda Shingen Lady Ōi, narrator NHK Taiga drama
1998 Tokugawa Yoshinobu Yoshiko NHK Taiga drama
2003 Musashi Yodo-dono NHK Taiga drama
2011 Ohisama Old Yōko Maruyama, narrator NHK Asadora

Awards and nominations
Year Award Category Work(s) Result
1961 Blue Ribbon Award Best Actress A Wife Confesses, Women Are Born Twice, and The Age of Marriage Won
1962 Kinema Junpo Award Best Actress A Wife Confesses and Women Are Born Twice Won
1965 Blue Ribbon Award Best Actress Seisaku's Wife and Nami Kage Won
1966 Kinema Junpo Award Best Actress Seisaku's Wife and Nami Kage Won
1969 Kinema Junpo Award Best Actress One Day at Summer's End, The House of Wooden Blocks, and The Time of Reckoning Won
2006 Mainichi Film Awards Kinuyo Tanaka Award Lifetime Achievement