In Fabric - Peter Strickland, 2018 / Sección Oficial del Festival de San Sebastián















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Qué bien! [mention]Ledicia[/mention]

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L'écrivain Albert Camus et la comédienne Maria Casarès se sont aimés pendant 15 ans. En novembre 2017, la fille de Camus fait publier chez Gallimard leur correspondance inédite : plus de 1 200 lettres passionnées. Rarement ils sont évoqué cet amour publiquement. Nous avons retrouvé ces archives.
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Los laberintos son desconcertantes y enigmáticos. En el laberinto clásico, la ruta es lineal, no hay uniones. Los laberintos modernos, en cambio, se ramifican repetidamente y tienen muchos callejones sin salida. Los laberintos cinematográficos parecen ser principalmente espacios psicológicos. La perspectiva del actor es particularmente importante, si se pasea como un sonámbulo a través de amplias salas y pasillos -como en El año pasado en Marienbad (1961) de Alain Resnais- o huye presa del pánico a través de los pasajes estrechos de un espacio reducido. Los ornamentos y relieves prestan movimiento al ojo y crean secuencias espaciales desconcertantes. El laberinto es a la vez una metáfora y una articulación arquitectónica, mientras que las secuencias laberínticas a menudo se presentan como prisiones sin salida mediante una perspectiva distorsionada de los corredores, por ejemplo.


Fuente: Trois Couleurs




A principios de la década de 1960, Anna Karina interpretó a la musa de uno de los directores más emblemáticos de la Nueva Ola francesa: Jean-Luc Godard. A pesar de los altibajos de su relación personal, lograron encontrar un terreno común a nivel profesional, lo que resultó en numerosos clásicos llenos de momentos inolvidables. En películas como Le Petit Soldat, Vivre Sa Vie y Bande à part, Karina interpretó personajes vulnerables con un control emocional sobre los hombres, un reflejo de cómo la vida y el cine aparentemente se convirtieron en uno. En colaboraciones posteriores con Godard, como Pierrot le Fou y Alphaville, los personajes de Karina son más enigmáticos, lo que muestra no solo la cambiante perspectiva del director, sino también el crecimiento de Karina como intérprete y el dominio de su oficio. Este videoensayo realizado por Q.V. Hough, para Fandor, se centra en el movimiento y el terreno común, el flujo y reflujo de una carrera que ayudó a cambiar el cine para siempre.

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https://www.fandor.com/posts/anna-karin ... ction=feed

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Qué pintaza tiene In Fabric!!

Qué bien,este otoño invierno apetece ir a ver unas cuantas al cine

A ver si esta peli la restauran en condiciones,mira que es pausada ,los interpretes pavos y demás peeero tiene algo que me la hace hipnotica total,debe ser el señor Bresson..
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Boyero para desmarcarse (como de costumbre) ha puesto fatal a la nueva de Vermut, y eso que le gustó "Magical Girl":

https://elpais.com/cultura/2018/09/26/a ... 83198.html

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Geniales aportes,no se por donde empezar mi Deborah de Otra vuelta de tuerca y esa version de Salem de Simone y marido está muy bien
Monica y Alain

Como director, Vittorio De Sica comunicó las pequeñas victorias y derrotas de la vida. Sus clásicos neorrealistas italianos de la posguerra, como Ladrón de bicicletas de 1948 y Umberto D. de 1952, inspiraron nuevas oleadas de cineastas independientes, y demostraron, junto con sus contemporáneos, que actores no profesionales, entornos no relacionados con el estudio y las narraciones fáciles de identificar pueden ser igual, si no más, impactantes que las producciones típicas que se estilan en Hollywood.

Pero los intereses creativos de De Sica se extendieron mucho más allá del movimiento neorrealista. De hecho, ya era un actor popular antes de embarcarse en su carrera como director, y su alegría brilla al actuar en colaboraciones posteriores con las superestrellas italianas Sophia Loren y Marcello Mastroianni. Este video examina dos de las comedias clásicas de De Sica: Ayer, hoy y mañana (1963) y Matrimonio a la italiana (1964), junto con un drama de guerra en movimiento, I girasoli (1970), que presenta temas conceptuales similares.

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Para algunos, ver la Trilogía de alienación de Michelangelo Antonioni, L’Avventura (1960), La Notte (1961) y L’Eclisse (1962), puede que no parezca una actividad divertida de fin de semana. Estas películas muestran personajes que navegan por un mundo frío lleno de ciudades italianas que se sienten casi futuristas, ya que el director enfatiza la arquitectura, la enfermedad emocional y el desapego psicológico para crear un comentario sobre los fracasos de las comunicaciones interpersonales. Pero hay lecciones que aprender, y un extraño sentido del ritmo visual revela cómo y por qué las personas eligen huir en lugar de luchar en circunstancias difíciles, y viceversa. Al examinar los paisajes, el subtexto narrativo y los temas visuales en la Trilogía de alienación, se puede entender mejor cómo se aplican estas películas a la vida en 2018. Este videoensayo, realizado por Q.V. Hough para Fandor, examina la puesta en escena de los personajes en la trilogía icónica de Antonioni, y cómo el director adquiere sentido a través del uso del espacio físico y la puesta en escena.

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En este episodio de Under the Influence, una serie en la que Criterion Collection invita a cineastas contemporáneos a hablar sobre las películas de la colección que los inspiraron, Trier habla sobre por qué Don't Look Now se ha vinculado tanto con su propia vida creativa. También explica por qué su notoria escena de sexo es “la mejor de toda la historia cinematográfica” y examina cómo la mezcla de lo sensual y lo metafísico de Roeg ha influido en sus propias películas, entre ellas Oslo, August 31st (2011) y Thelma (2017).
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https://www.criterion.com/current/posts ... t-look-now

La peli de Oslo me gustó mucho,abstenerse si se está bajo de animos